ABULIOL

Composición:
Música trallera de diferentes grupos en cantidades variables según las necesidades del paciente.

Excipientes:
Cafeína y ducha fría.

Forma farmaceútica y contenido del envase:
CD con 20 temas indicados para ingesta auditiva.

Actividad:
Con abuliol se complementa la acción energizante de los rayos solares, el café con hielo y limón y la ducha fría después de ocho horas de sueño reconfortante.

Titular y Fabricante:
El Loco Oficial España, S.L.

Indicación:
Alivio sintomático de la astenia primaveral, abulia crónica y estados de mal rollo en general.

Contraindicaciones:
No debe administrarse en pacientes con hipersensibilidad a alguno de los componentes de la especialidad.

Precauciones:
En pacientes con afecciones cardiacas.
No exceder la dosis recomendada.

Interacciones:
Puede potenciar la actividad sexual y creativa en general.

Advertencias:
Se evitará conducir vehículos de más de 60 C.V.
Se informa a los deportistas que este medicamento contiene componentes que pueden establecer un resultado analítico de control del dopaje como positivo.

Posología:
Una escucha cada 8 horas.
No se excederá de 7 escuchas en 24 horas.
Se aconseja consultar al DJ para tratamientos prolongados de más de 10 días.

Sobredosis y tratamiento:
La sintomatología por sobredosis incluye hiperactividad desenfrenada y dolor de mandíbulas por la sonrisa permanente.
Si ha ingerido una sobredosis debe acudirse rápidamente a un Centro Médico, aunque no haya síntomas, ya que éstos se manifiestas generalmente a partir del tercer día después de su ingestión.

Reacciones adversas:
En algunos casos, en pacientes sensibles, se puede presentar un insomnio pasajero.

Caducidad:
La música no caduca coño!

ABULIOL I

ABULIOL II

ME GUSTA LA MÚSICA ROMÁNTICA

EQUALIZER

Death makes no difference between musical genres.
During last fifteen days these people have died.


R.I.P.


Karlheinz Stockhausen
Pimp C.
Mel Cheren
Carlos "Patato" Valdés
Cecil Payne

ACE TRIO

Aunque no practiquemos la duda metódica que planteó Descartes, seguramente en algún momento de la vida nos asalte una de tipo "existencial". No existe la panacea, sí el refranero, que lleva unos cuantos años en vigencia, y ya se sabe que "más sabe el diablo por viejo que por diablo". De hecho, otra buena forma de resolver una duda de este tipo es pidiéndole consejo a una abuela y se volvería a cumplir el refrán anterior. Parece que todo esto es una pescadilla que se muerde la cola, algo así como cuando Kekulé soñó con formas reptilianas, una agarró su propia cola y toda la estructura se retorció burlonamente, descubriendo de este modo la estructura del Benceno.
Ya que estamos con la química, podríamos entablar un debate sobre la afinidad electrónica de ciertos elementos y el condicionamiento que ésta ejerce sobre la formación de compuestos químicos. Los mismos humanos, un cúmulo de estructuras bioquímicas, también estamos condicionados, de manera no tan obvia a simple vista, por nuestra estructura molecular; somos seres psicosomáticos al fin y al cabo. No obstante, nuestro comportamiento social sí que tiene que ver un tanto con la afinidad, si no electrónica, sí empática, y presentamos tendencia a juntarnos con aquellos que tienen modos parecidos de ver la vida o que dan respuestas similares ante unos mismos estímulos. Más bien sea que la gente se rodea de aquellas personas a las que les mueve el alma principios semejantes. Recurriendo de nuevo al refranero observamos que "Dios los cría y ellos se juntan".

Hace un par de años, quizá más, se publicó la más grande discografía de jazz. Se editó en gruesos tomos y, aprovechando la tecnología, en un DVD. Un compendio de algo más de un millón de grabaciones. En lo que atañe a documentos gráficos las cifras no son tan desorbitantes aunque sean igualmente descomunales. Del puñado de películas que "swingean" al ritmo del chaston y que he visto, algunas me convencen más, otras en absoluto. Por ejemplo, Mo Better Blues de Spike Lee me dejó frío y sin embargo 'Round Midnight de Bertrand Tavernier me resultó simplemente conmovedora. Ese éxodo ficcionado de Dexter Gordon en Copenague se plasma de manera magistral en la película. Poco después vería Bird, de Eastwood, una biografía fácil del gran genio del Bop, Charlie Parker. Digo fácil porque se centra casi exclusivamente en la deblacle del músico ocasionada por el consumo de drogas, dejando bastante de lado su dimensión artístico-musical. Una especie de Diario de Patricia mejor hecho, pero poco más. Hay una que aún no he visto, ni lo haré, y eso que me gusta Louis Malle a rabiar, Ascenseur pour l'échafaud. No la veré porque leí en una biografía sobre Miles Davis cómo el director le dejó encerrado viendo diferentes escenas mientras el trompetista improvisaba la música que serviría de banda sonora a la película. Es un disco éste que he oído tantas veces, que me ha inspirado tantas imágenes, que ya me he montado yo mi propia película en la cabeza y si veo la original contaminaré unas imágenes con otras. De algo estoy seguro, aun no habiendo visto la película, y es que la música de Miles encaja a la perfección con las imágenes de Malle y viceversa. Ya saben, "dios los cría y ellos se juntan".




¿Y por qué trío de ases?. Nada, otra ejemplificación aclaratoria del refrán protagonista de esta entrada. El as de picas: la novela de Burroughs, Naked Lunch. El as de diamantes: David Cronenberg, director de la película homónima. El as de tréboles: Ornette Coleman, creador de la banda sonora junto a Howard Shore. Ahora, como en el poker, me tiro el farol, si fuera el mus, echaría un órdago. Ahí va, 20 de los grandes a que es un trío y gano la mano. Sólo Cronenberg puede llevar a la pantalla esta novela y sólo Coleman puede dotarla de unas "melodías free". Quien diga lo contrario, o bien no es viejo, o bien no es diablo.

DON CABALLERO

"Hay más días que longaniza" o "nunca es tarde si la dicha es buena". Digo esto contemplando esas letras azules, "BOPPEANDO", solapadas sobre las fotos de cuatro grandes del jazz: de izquierda a derecha, John Coltrane, Ornette Coleman, Charlie Parker y Miles Davis. De manera rigurosa sólo uno de ellos vivió toda la vorágine que suposo el advenimiento del Be-Bop. De hecho, fue uno de los innovadores técnicos, armónicos y rítmicos del movimiento que supuso la "ruptura" (aunque durante mucho tiempo hayan coexistido estilos diferentes) con el jazz de las big bands y el nacimiento del jazz moderno.
Conozco algunos blogs dedicados a la música, si dedicación significa colgar 3 discos diarios sin molestarse en comentarlos. No es difícil de hacer. Colgando 10 diarios tengo material suficiente para dos años sin repetir ninguno, pero no le veo una finalidad clara a tal proceder.
Sé de dónde viene mi nick "El loco oficial", sin embargo no tengo la más remota idea de dónde saqué el nombre del blog, porque podría haber elegido cualquier otro que guardara relación con otro género musical que me apasione o referente a un hobby distinto del musical. No se apuren, llegarán post en los que hable del Be-Bop, o de los Hipsters o de los Boppers, o de la generación Beat con sus Beatniks, "nunca es tarde si la dicha es buena" y, afortunadamente, "hay más días que longaniza".
Escribir en el blog se ha convertido para mí en una especie de Exercice de Style. Experimento con diferentes géneros literarios, teniendo en cuenta que nada de lo que escribo es, ni por asomo, literario; sería demasiado pretencioso por mi parte. En este sentido, una de mis entradas la dediqué al disco "Miles in the sky" del que hice una breve reseña, una crítica personal y dejé caer algunas consideraciones un poco más técnicas. No dejó de ser eso, un experimento, un ejercicio de estilo. En cualquier otro caso hubiera carecido de sentido. Se pueden escribir, elucubrar, expresar miríadas de opiniones sobre el hecho artístico, sobre obras concretas. Lo hicieron Kandinski y Cezanne, lo hacen ahora los críticos literarios, los expertos en cine y los musicólogos. ¿Será ésta una manera de romper el encanto, la magia? ¿no es igual de "atroz" y "abominable" que espetarle en la cara a un niño de cinco años: "Los Reyes Magos son los padres"?. Hay cosas que se pueden describir pero que es mejor no hacerlo. No hay parangón entre besar e intentar explicar cómo es tal o cual beso. Un ejemplo físico, pero no más físico que el anterior, nos lo da el Principio de Incertidumbre de Heisemberg, podemos conocer la velocidad o la posición de una partícula pero no ambas a la vez. Al medir, describir, perturbamos el medio que automáticamente deja de ser el que ha sido hasta ese preciso instante. Lo mismo ocurre con la música, casi me arrepiento de haber destripado un disco.
La música es un lenguaje, como lo son las matemáticas. La música encierra muchísimas matemáticas. Desde cómo se construye la escala cromática (¿se han preguntado alguna vez por qué hay 12 semitonos en cada octava o por qué cada nueva octava más aguda implica doblar la frencuencia?), a los patrones rítmicos. Los desarrollos de Fourier, los armónicos, incluso la teoría armónica también son matemáticos. Pero quiero ser respetuoso con la coherencia, por lo menos, de esta entrada. Les dejo así dos mixes de Math Rock y Mathcore aunque no vaya a describir en ningún momento el motivo de dichas denominaciones o etiquetados musicales y, del mismo modo, obviaré cualquier tipo de disertación técnica petulante sobre ambos géneros, ni sobre su historia, pasada o reciente, ni siquiera sobre su evolución.

MATHROCK I
MATHROCK II

DHC

Aunque podrían parecerlo DHC no son las siglas del último polímero ni recubrimiento para piscinas, tampoco corresponden al nombre comercial de ningún anestésico disociativo utilizado por adolescentes descerebrados para colocarse. Es algo bastante más simple y menos rebuscado. Es el acrónimo, en inglés, de Digital Hardcore.
Con la inercia semanal, "come rain or come shine", me dejo caer de la cama un domingo antes de las 9 de la mañana y, ya en cualquier bar, engancho lo único que hay para leer, el suplemento de algún periódico, atrasado por cierto, mientras trago sorbitos de café negro. En la portada hay una foto de Kasparov, serio y concentrado. La partida esta vez es otra. Las negras juegan con ventaja y Kasparov se defiende con cinco peones, cinco guardaspaldas que le acompañan continuamente desde que lidera el partido de la oposición. En la entrevista dice que Rusia es un estado sin ley en el que ya no valen ni las reglas del ajedrez.
Hace aproximadamente un año del asesinato de la periodista rusa Anna Politkovskaya y todo sigue siendo un misterio, incluso la muerte del ex-espia ruso encargado de esclarecer el caso, Litvinenko, envenenado en Londres con polonio 212. La crisis social y política que se cierne sobre el país se masca, se huele gravemente.
Paso el resto de la mañana deambulando por el centro, encargo un par de libros, suelto los dos chascarrillos de siempre a los dependientes de la librería y me olvido de todo el asunto. El día transcurre como los otros domingos: apacible, familiar, sedante, productivo. Pensando que aún me quedan buenas horas de sueño trasteo un rato en internet y me topo con un vídeo musical rodado en Minsk, capital de Bielorrusia, patria de Ryszard Kapuscinski . El vídeo es de Ambassador 21 , un grupo de DHC . En algún lugar de mi cerebro se enciende una bombillita y empiezo a enmarañar el ovillo. Recuerdo las descripciones, magníficas, de los viajes que hizo Ryszard por muchas de las ex-repúblicas de la extinta Unión Soviética, plasmadas en su libro El imperio. En concreto visualizo el capítulo final donde narra sus últimos periplos minutos antes de la desmembración. Respiro nuevamente el aroma del café de hace unas horas mientras releo mentalmente la entrevista a Kasparov. El vídeo está a punto de terminar. Casualmente el tema se titula Legalize Death.
La música, como manifestación artística que es, puede ser un reflejo social o, por el contrario, un revulsivo. El Digital Hardcore nació en Alemania, a principios de los años 90 y, durante una época, su mayor exponente fue el grupo de Alec Empire, Atari Teenage Riot . Las letras están altamente politizadas y expresan valores principalmente anarquistas. Musicalmente es una amalgama de ética y actitud de corte punk junto a electrónica abrasiva. No es de extrañar que el género surgiera en esa localización espacio-temporal tan especial. Había caído el muro, el telón de acero se derrumbaba. 15 años después, un poco más al este, los bielorrusos se debaten o divierten en espasmos catódicos, bailando al ritmo del mismo son. Quizá intentan alienarse de la convulsión y maremagnum que conmocionan actualmente al pueblo eslavo.
Sigo moviendo mis fichas, siguiendo las instrucciones del maestro, jugando simultáneas, con varias pestañas del navegador abiertas al mismo tiempo. Hábilmente muevo uno de mis álfiles "et... voilà!" encuentro el siguiente sello discográfico, D-Trash Records, especializado en el género y afincado en Canadá, con descargas directas de Ambassador 21 y de Punish Yourself . Pobre de mí que pensaba qué sólo raperos franceses como los clásicos NTM, Assassin o los grupos marselleses se manifesaban contra la injusticia social. Estos chicos de Toulouse, de nombre sugerente, lo hacen a su manera, pintándose de verde-neón-fosforito y sacando una radial en medio de los conciertos. ¿Será que hay también descontento en el país vecino? ¿Se aproxima algún tipo de crisis? ¿ya la hay? ¿Es reflejo o revulsivo?.....

MILES IN THE SKY

Me apetecía empezar bien la semana o que los que leen habitualmente este blog así lo hicieran. Normalmente dedico cinco minutos matutinos para seleccionar el disco que me pongo para ir al trabajo si no lo he hecho la noche anterior, porque cada música tiene su momento y es bueno elegirla bien. Por suerte, ya que yo llego un poco tarde, se me han adelantado, lo cual me alegra ya que el disco que viene a continuación es más propicio para escucharlo después de una dura jornada laboral, a horas vespertinas, con una taza de té rojo humeante entre las manos.

Hablaba el otro día Pussy de cómo comentarios fortuitos pueden convertirse en verdaderas afrentas cuando tocan de lleno nuestro pequeño universo ideológico. Cada vez cobra más sentido para mí el viejo refrán castellano "Dios los cría y ellos se juntan". Sin embargo, como pasa a menudo, también esto tiene su contrapartida. Hace unos cuántos años, en casa de un amigo, me topé por casualidad con este álbum. Le pedí su opinión y me bastó verle la cara de desagrado para saber que lo tenía que escuchar con atención. A veces resulta mucho más fácil definirse por negación.

Aunque necesarias, igual que tener la certeza de que el sol sale y se pone todos los días, las verdades de perogrullo, además de resultar harto aburridas, empañan u obnubilan nuestro criterio. Probablemente el álbum más conocido en la historia del jazz sea Kind of Blue de Miles Davis (el preferido de este amigo mío del que les hablaba más arriba). Sin duda "a masterpiece", la obra del jazz modal por antonomasia. Los músicos conformaban el primer gran quinteto en la carrera de Miles y, probablemente, uno de los mejores en la historia del jazz: Cannonball Adderley, John Coltrane, Bill Evans, ....Esta obra eclipsó parte de la carrera posterior de Davis, igual que más tarde lo haría Bitches Brew.

Miles in the sky es el último álbum que grabó junto a su segundo gran quinteto, el de los virtuosos. Un disco premonitorio a la vez que minusvalorado. En la música de Miles había dos cosas que presgiaban cambios importantes: su relación con Gil Evans y la tendencia a componer mucho más. Las dos composiciones suyas presentes en el álbum, "Stuff" y "Country Son" ocupan más de la mitad del mismo y qué duda cabe que fueron ubicadas en lugares clave a propósito. Probablemente este es un álbum denso, difícil y abstracto. Uno de esos que se tardan años en "digerir" y que luego llegan a ser una obsesión; una gema enterrada en la discografía de Miles.

En este trabajo probó nuevos sonidos instrumentales y, por primera vez, usó una guitarra, un bajo y un piano eléctricos. Representa una transición en su música, con referencias a conceptos de los dos anteriores pero que mira al futuro porque establece nuevos criterios, a la par que altera el papel de los instrumentos; circunscribir de una manera tan drástica su función demuestra un gran cambio en el pensamiento de Miles. La pieza compuesta por Wayne Shorter, "Paraphernalia" posee un dinámico movimiento en 4/4 con una sección en 3/4. En esta composición la guitarra de George Benson añade textura y coloración al movimiento rítmico, limitándose a repetir una figura rítmica y tocar octavas sobre la nota fundamental. El papel de la batería es similar. La mayoría de las veces Tony Williams no hace más que mantener un ostinato constante en el charles y en los platillos, y aunque a veces crea polirítmias mientras dialoga con los solistas, su manera de marcar el tiempo es lo que da identidad a la pista.

Miles se inclina hacia la práctica no occidental de un pulso muy claro, sin ambigüedades, y una repetición rítmica, creando un continuo en el que pueden ocurrir toda clase de sucesos musicales, incluyendo variaciones rítmicas. Se puede crear o liberar tensión mediante la superposición de ritmos. El "dramatismo" tiene lugar cuando el oyente toma más conciencia del pulso, o de su ausencia o de un pulso nuevo. Esto se percibe de manera mucho más obvia en la composición de Miles, "Stuff", porque toda la pieza se basa en una pulsación de rock. Esta es, sin duda, mi pista preferida del disco. "Stuff" es realmente larga e hipnótica. Tony Williams aplica un incesante ritmo de platillos condimentándolo sólo de ven en cuando con otros más complejos que se yuxtaponen al ritmo básico y estricto, creando así ese dramatismo. Los acordes de piano de Herbie Hancock son austeros y muy funky. El motivo, lleno de fragmentos melódicos, trinos, acentos desplazados, notas ligadas, dura casi seis minutos contribuyendo a esa sensación hipnótica, minimalista, repetitiva y no occidental.

El resto del álbum también es soberbio y augura los cambios que se producirán en la música de Miles. Incluso volverá a tocar y desarrollar alguna de las frases de los solos un año después en "In a Silent Way", disco predecesor de Bitches Brew.

Les dejo a continuación las notas del disco original:

"Personnel: Miles Davis (trumpet); Wayne Shorter (tenor saxophone); Herbie Hancock (acoustic & electric pianos); George Benson (guitar); Ron Carter (bass); Tony Williams (drums). Producer: Teo Macero. Reissue producers: Michael Cuscuna, Bob Belden. Recorded at Columbia Studio B, New York, New York on January 16 and from May 15-17, 1968. Originally released on Columbia (9628). Includes liner notes by Bob Belden. Digitally remastered using 20-bit technology by Mark Wilder and Rob Schwarz (Sony Music Studios, New York, New York). This is part of Sony's Columbia Jazz Masterpieces series. With MILES IN THE SKY, Davis began to consciously incorporate elements of popular music and blues into the quintet's open-ended style of group improvisation. This was an attempt to reach out, not sell out. By 1968, groups such as the Beatles had stretched the parameters of the pop song form way beyond their humble harmonic beginnings, while the blues trio Cream significantly elevated the level of musicianship and added a bold improvisational dimension to live performances. It was impossible to ignore these developments. And as Miles indicated in his autobiography, he was already becoming enamored of musicians such as Jimi Hendrix, James Brown, Sly Stone and Muddy Waters (elements of soul jazz had already crept into the quintet's repertoire with "Eighty-One" from E.S.P.). On MILES FROM THE SKY, the trumpeter's "Stuff" juxtaposes a long elliptical blues line over a harmonically varied Ron Carter bass vamp, as Herbie Hancock pumps out billowy turqoise clouds of Fender/Rhodes chords and Tony Williams alternatingly locks in and deconstructs the eighth note pulse. On Shorter's "Paraphernalia" the horns play harmonic cat and mouse with a swinging vamp, resolving tension in cyclical chord progression, as George Benson's electric guitar offers a teasing suggestion of things to come. Tony Williams' "Black Comedy" and Davis' "Country Son" offer a series of radical tempo and textural changes: The former does so in a, more or less, straight ahead groove, while the latter intersperses swing beats with abstract gospel and ballad moods, culminating in an epic Shorter solo, and a Davis solo which hints at the newer style of phrasing he'd reveal on IN A SILENT WAY."

Espero no haberles destripado "el final de la película" con esta exégesis musical. Que lo disfruten.

Tracklist:

1. Stuff
2. Paraphernalia
3. Black Comedy
4. Country Son
5. Black Comedy (Alt Take)
6. Country Son (Alt Take).

DOWNLOAD HERE!

PASATIEMPOS. BUSCA LAS 7 DIFERENCIAS

Tommy Emmanuel
Day Tripper / Lady Madonna




Beatallica
A Garage Dayz Nite

Andy Mckee

No comments....

Rylynn



Art of Motion



Drifting

Al Berkowitz Band

Hace unos meses, en una de mis múltiples escapadas a Madrid, conocí a uno de los guitarristas de esta banda. Al poco tiempo recibí su primera maqueta. Un año después, cosas del efecto boomerang de la vida, regresaría a Madrid y, sin saberlo, fui invitado a un concierto de este grupo que ya está grabando su primer disco.
Fue una de estas noches improvisadas que probablemente ya ha dejado huella en mis memorias. Aparte de sus temas, consiguieron ponerme la carne de gallina con una versión de Ash Ra Temple memorable.
Juzguen ustedes, que yo no necesito venderle la burra a nadie, será suficiente con que utilicen su sensibilidad musical. En seguida notarán influencias del krautrock alemán, del jazz e incluso del blues.
Hay que tenerlos bien puestos para crear este tipo de música en el 2007, donde los caminos trazados por el 99% de las bandas actuales divergen hacia puntos diametralmente opuestos.

Les dejo también un enlace a su myspace AL BERKOWITZ BAND

GASTEIZ SOUND GRAMMAR (OFF JAZZ II)

Fin de semana intenso: 1500 km en coche, 4 ciudades en 4 días, 3 conciertos, compras, visitas a amigos,.....
La mitomanía y el fetichismo son tendencias que me desagradan, particularmente a ciertas edades. Como adolescentes todos tenemos actores fetiche, mitos musicales, artistas idolatrados, etc...
Con la edad se alcanza un equilibrio, alejado de todo paroxismo, quizá aburrido, pero eficaz, vital y pragmático.
Todo este preámbulo peripatético para explicar uno de los acicates de mi último post: asistir al Festival de Jazz de Vitoria y en concreto ver a Ornette Coleman con su nueva formación. Gracias a él, hace ya unos cuantos años, me introduje en el free jazz y comencé a explorar esos terrenos que se sitúan un poco más allá. Por eso colgué un mix titulado Off-Jazz. Confieso también, haciendo un poco de "metablogging", que a la hora de publicar me mueve un afán altruista, un querer compartir, de ahí que aparezca algún mix de vez en cuando, o cualquier historia que me parezca interesante y se salga un poco de lo común, intentando que llegue a todos, incluso aunque trate algún tema más especializado y agradezco los agradecimientos al respecto, valga la redundancia, de mis escasos, pero valiosos lectores.
Reacio en principio, contrario a la mitificación a la que no siempre escapo, allí estuve.

En orden de importancia subjetiva:

• La organización del festival es grandiosa. El cartel de lujo; siempre incluye algún "grande". La gente, el entorno y el ambiente que se respira ciertamente agradables. Así que les invito desde aquí a ir. Merece la pena.
• En lo que respecta al Jazz: creo que es la única música capaz de producir una disociación cerebral aguda. Intenten si no, captar el todo sin dejar de discernir ninguna de sus partes, cómo las diferentes líneas se conjugan para expresar algo cargado de sentido musical y cómo uno llega a evadirse hasta altas capas de la estratosfera.
• Ornette: Acongojante su hilo de voz, apenas audible a la hora de presentar un tema. Cómo es posible entonces que sacara ese sonido inconfundible a su saxo? Tiene 76 años, el único, junto a Sonny Rollins, de la "época dorada" que sigue vivo. En su último disco "Sound Grammar" vuelve a sus raíces, a los discos y grabaciones que precedieron su mítico "Free Jazz" pero con una visión actualizada. Su nueva formación, además de su hijo Denardo a la percusión, incluye a tres bajistas, dos acústicos y uno eléctrico. Aparte de lograr así una música de una complejidad rítmica realmente pasmosa, lo que verdaderamente llama la atención es el color tímbrico, esa gama de tonalidades demoledora. El bajo eléctrico por un lado muy en la onda (debido a la ecualización probablemente) de esa gran guitarra de Metheny cuando grabó junto a Coleman esa obra majestuosa que es Song X. Los otros bajistas, mientras tanto, alternaban el uso del arco, dialogaban, creaban atmósferas....Se permitieron desde una versión alternativa de su clásico Lonely Woman hasta otra del primer movimiento de la Primera Suite para cello solo de Bach, en clave free y sin dejar de respetar el original. Quizá sea otra de las cosas sorprendentes del concierto, la elección de un repertorio de tan variada índole y saber contextualizar cada uno de los temas de manera que todo empastaba a la perfección.
• Aficionado como soy a las diatribas (y yo que pensaba que se pasaría con la edad), comentaré algo acerca del segundo concierto que incluía la entrada, el Dave Holland Quintet. Los estilos de ambos músicos son muy diferentes, el único nexo en común es ese sentido de swing, de groove presente en todo buen jazz. Dave es todo un caballero y nada más que añadir. El resto de la sección rítmica, batería y vibráfono hicieron un papel muy digno. El batería podríamos catalogarlo de un virtuoso cargado de sensatez, que sabía usar su técnica y no abusar de ella. Y el vibrafonista destacó por la matización, sobre todo en lo que a intensidad se refiere, de las notas; como apagaba lo justo algunas y hacía brillar aún más otras. Mi invectiva va dirigida a la sección de viento, más concretamente al saxo. Aún cayendo en el agravio comparativo, que por otro lado era previsible, nada que ver con Coleman. Una de las cualidades más admirables en un músico, incluso la más importante es tener un sonido inconfundible y propio. En la historia de la música que nos ocupa hay ejemplos obvios y trillados, pero clarísismos: Charlie Parker, Stan Getz, John Coltrane y Ornette Coleman. Y esa es una cualidad que lamentablemente no posee Potter. Es un buen intérprete pero su fraseo trae reminiscencias de Coltrane, y humildemente creo que no hay color, no consigue aproximarse un ápice. Incluso a veces, en ciertas triadas parecía aproximarse también a Coleman aunque simplemente por el hecho de ser timbres completamente distintos, aquello no encajaba. Tampoco me gustaron los arreglos de los vientos, demasiado a lo Wynton Marsalis.

OFF-JAZZ

Turn on the radio. Fuck, crank it up!

(Comienza a sonar Milestones....)

Buenas noches, una vez más, esto es Jazz porque sí, estaremos con todos ustedes hasta la una de la madrugada, media noche en Canarias. Presentando Juan Claudio Cifuentes, "Cifu" para los amigos. Como ya es habitual, los miércoles tenemos monográfico. Hoy lo dedicaremos al jazz de vanguardia y ya les explicaré por qué en la siguiente edición. Disfruten del programa:

• Anthony Braxton - BWC -12 N - 48 (Stages 1-3)
• Atomic - Geometrical Restlessness
• Brotzmann - Something there is that doesn't love
• Ellery Eskelin - Ask to be
• Erik Truffaz - Sweet Mercy
• Evan Parker - Ak-Kok-Deer
• John Coltrane - Jupiter
• John Zorn (Masada) - Katzatz
• Ken Vandermark - Law Years
• Medeski Martin & Woods - Take me nowhere
• Ornette Coleman & Pat Metheny - Song X
• Screaming Headless Torsos - Blue in Green
• Vienna Art Orchestra - Reflections on severe reprimande

DOWNLOAD HERE


Abrazos y carantoñas múltiples para todos y todas.

FRUTA DE TEMPORADA

38.53 N 6.58 O. Estas son las coordenadas del punto de la Península con mayor índice de insolación y donde se registran las temperaturas más altas. Nadie discutirá que cada música tiene su momento pero ya que se han inventado las cámaras frigoríficas y no sólo comemos naranjas en invierno, a veces es necesario dar al traste con la rutina. Les recomendaría la fruta de temporada: Stevie Ray Vaughan, Michael Katon o Joe Bonamassa; blues, hard-blues, bluegrass, southern rock....porque esto es lo más parecido a Arizona que conozco, ni en los Monegros uno se hace a la idea de lo que puede ser pasar un mes de Julio aquí. Sin embargo, espero que todos tengan en casa un arcón frigorífico pues la música de este mix no es de temporada. Igual, si les apetece, pueden pelar alguna pieza durante una noche de insomnio. Aprovecho para inaugurar en el blog la sección de mixes y para dar una vision complementaria y contrapuntística al mix de Mademoiselle Pussy (si ella lo permite). Es otro "misticismo". Entre los grupos incluidos: Merzbow, MZ412, Izoloscope, Ah Cama Sotz, Brighter Death Now, Letum... El mix se ha dividido en dos partes, ahorrando trabajo a todo aquel que no quede convencido con la primera. Ya me cuentan.

Download:
Part I
Part II

Tracklist Part I:

1. Ah-Cama Sotz- Ce carnage demoniaque
2. Brighter death now-War
3. Coil-Love's secret domain
4. Coph nia-Shape shifter stigmata martyr
5. Desiderii marginis-The love you find in hell
6. Deutsch Nepal-Excursioner angel

Tracklist Part II:

1. In slaughter natives-Amogst the lost and wordless
2. Izoloscope-Purge
3. Letum-Attempt(faliure)
4. Melek-tha
5. Merzbow-Stone the crow
6. Mz412-Infernal affairs

ORÍGENES DEL GRINDCORE

Este año llegó a mis manos (en forma de regalo de cumpleaños de un buen amigo) un libro de Nikolaus Harnoncourt: "La música como discurso sonoro. Hacia una nueva compresión de la música". El libro es una colección de ensayos de, para mí, la voz más autorizada de la interpretación musical histórica. Nos ayudan a reflexionar, entre otras cosas, en favor de una mejor comprensión de la música antigua, especialmente la barroca.
En el mundillo de la "clásica" siempre ha habido mucho fantoche, mucho mal purista que da validez a una u otra obra según la orquesta que la interpreta o el director que la dirige. Hasta la fecha había hecho caso omiso de la mayoría de estas observaciones.
El hecho de leer este libro ha sido determinante a la hora de constatar ciertas realidades y aventurar algunas suposiciones algo más sui géneris.
Al leer las primeras diez páginas metí en el coche el Requiem de Mozart dirigido, como no, por Nicolás. Fue el complemento ideal para empezar bien la semana docente. Todavía mejor para terminarla después de un viernes a última hora.
El archioído Requiem cobra especial fuerza o, mejor dicho, especial significación en manos de este director. Parece ser que determinados directores sacan la enjundia a ciertas obras ya que tienen en cuenta toda la circustancia histórica a la hora de interpretar.
Durante dos semanas volví a sumergirme de lleno en la polifonía, en la Ars Nova. Reescuché a Orlando di Lasso, a Tomás Luis de Victoria, a Philippe de Vitry. Cuando creí haberme empapado bastante seguí con Bach, Vivaldi, Corelli, Monteverdi, Marcello, por citar unos cuantos....
Observo que actualmente somos bastante noveleros. Recuerdo que con 3 años iba escuchando Pink Floyd en el coche de mi padre camino de la guardería y que un año después me pondrían tarde tras tarde las Cuatro Estaciones de Vivaldi durante la siesta en el parvulario.
Llevaba algunos años sin soportar más de 15 minutos de música barroca y no escuchaba Pink Floyd desde que los vi en concierto, imbuído como estaba por lo "nuevo";desde la música serial y atonal (Stockhausen, Varese, Xenakis....) hasta el noise de Merzbow, pasando por los experimentos de John Zorn o las investigaciones de Bad Sector, Izoloscope y Brighter Death Now...Estas músicas parecían aplacar mi tedio, insuflarme nuevas ideas.
Curiosamente y no falto de razón, Harnoncourt aboga por el redescubrimiento del legado de la música antigua que, de hecho, es tan fresca e innovadora como la música actual. El error estriba en la mala comprensión que tenemos de la misma.
En realidad muchos de los géneros que catalogamos como nuevos tienen orígenes que se retrotaen hasta 30 años en el tiempo: los 70 fueron un hervidero. En esa década surgieron, entre otros, el rock progresivo, el krautrock y el embrión de la Neue Deutche Welle, además de consolidarse el free jazz. Todos estos géneros han influido y lo siguen haciendo en mucha de la música considerada actual.
Uno de mis géneros preferidos es el grindcore: música brutal y extrema que se originó a principios de los 80 con bandas como Napalm Death. Este género es una evolución más o menos lógica del punk, como lo es el crust. Si alguien no está convencido puede escuchar alguno de los riffs de: "The Code Is Red...Long Live the Code" del disco homónimo de los Napalm.
Hacia la mitad del libro, el autor habla de la evolución dentro de la música barroca y de aportaciones e innovaciones como las que hizo Monteverdi, el inventor del concitato. Básicamente consistía en repetir una nota hasta 16 veces, o dividir una blanca en 16 fusas. Este artificio, criticado duramente por ser considerado no-musical, sirvió a la perfección para crear tensión y expresar emociones en algunos pasajes de los madrigales de Monteverdi.
Volviendo al grindcore, nos topamos con compases enteros plagados de fusas, la misma nota repetida hasta la saciedad, creando el "mismo efecto" expresivo que perseguía Monteverdi: tensión.
La historia, que presenta un claro efecto boomerang, se repite, y el grindcore directamente ha ido a parar injustamente al cajón de lo no-musical.
Si algún purista de los que hablo más arriba lee esto, espero que reflexione un poco antes de planear mi asesinato. No estaría mal que, de paso, se nos quitara a todos un poco la novelería; que "ya está tó inventaó" y si no, por qué prolifera tanto el género "fusión-ñoña"?, por qué en su día hubo tanto músico de glitch y cut & paste?.

Otra de las ideas que subyace en el libro se basa en una cita de Brahms: "Para ser músico hay que dedicar un 50% del tiempo a tocar el piano y el 50% restante a leer". Esta idea se la había escuchado a la persona que me regaló el libro. Se puede ser un intérprete digno, dotado de cierta técnica con perseverancia, voluntad y paciencia. Para ser músico esto no basta. La música, incluso a veces la misma forma de interpretar, es un fiel reflejo de la personalidad. Dudo que alguien con encefalograma plano, sin unas mínimas inquietudes intelectuales, o con falta de sensibilidad pueda hacer algo músicalmente interesante. De hecho, muchos de los grandes genios de todas las artes y disciplinas han sido polifacéticos.

REVERBERACIÓN MATEMÁTICA

No hace mucho se celebró el Primavera Blues Festival. El cartel no estaba mal: para ir abriendo boca el jueves tocaba Dr. Feelgood. Un grupazo al que sin embargo no fui a ver...es lo que tiene trabajar el viernes y tener que conducir temprano por la mañana. Me sorprendió saber que tan añeja banda de rythm and blues (llevan en activo desde el 71) tocaba en el culo del mundo; por lo visto se salieron. Canciones "simples" tocadas con mucha garra. Al día siguiente tocó Stevie Zee con Ñaco Goñi. A éste último tuve la suerte de verlo en una jam session en Madrid no hace mucho. Un gran armonicista que, sin embargo, tuvo sus más y sus menos con Stevie en este concierto. El pobre Zee se sentía incomprendido cuando Ñaco le increpaba para que bajara el volumen de su ampli. Algunos "guitarristas" cuando se gasean son realmente peligrosos: a partir de media noche probablemente terminarán convertidos en gremlins armados con la palanca de trémolo y dispuestos a utilizar el pedal de wah como arma arrojadiza si su ego no se ve suficientemente saciado por tocar dos decibelios más bajo.
Tras todos estos preámbulos llegó el sábado. Ahí me tienen, sin planes aparentes, jamando una pizza, con los bigotes ardiendo y el queso fundido chorreando barbas abajo, barajando todas las posibilidades antes de poner un pie en la calle. No había demasiadas ganas. El destello del móvil me pilló atrapando el último champiñón rebelde: "RED HOUSE tocan a las 11". Mejor olvidemos a los teloneros.
El guitarrista de esta banda no es otro sino Paco Simón. El nombre, así, sin anestesia, puede sonar a chufla. Peor aún si uno lo asocia con Caiga quien caiga. Pero allí lo que hacía era "enreá" como dicen por aquí. Principio del concierto: unas 50 personas. De repente sale Paquito con una "Paula" y un slide. Un riff de poco más de tres notas que bastó para que se pasaran la semana entera alicatando de nuevo media manzana. No hay mucho más que contar si saben el tipo de tono que tienen esas guitarras. Sin darle mayor trascendencia cambió un poco su setup. Creo que fue entonces cuando empecé a tener los pelos como escarpias: Una Tyler modelo Dann Huff!!. He tenido la suerte de ver unos cuantos buenos conciertos y a unos cuantos "grandes" en directo y pensé que había perdido toda capacidad de maravillarme...nada más lejos de la realidad. No fue un concierto de blues al uso. Tocó todos los palos dentro del género. Técnica impecable, lleno de recursos, un groove acojonante, un sonidazo...y un gran sentido del humor; qué hay más sureño que el "lick blusero de la gallina" y el del "Mack rodando ruta 66 abajo".
Todo demasiado bueno para ser verdad, teniendo en cuenta las horas que eran (cerca de las 3 a.m.), y la ciudad en la que nos encontrábamos. Efectivamente, como era de esperar, empezó a llegar la chusma. Primero fueron las hordas de maduritos que competían con sus cacareos con el bombo de la batería pero aún faltaba el plato fuerte de la noche. Cuál no sería mi sorpresa al ver aparecer una de las Plagas de Egipto que no se cita en los libros sagrados: los matemáticos!, y todos en tropel. Empecé a cuestionarme la física de ondas y hasta la ciencia de los materiales; el tono de la guitarra cayó estrepitosamente y los bajos empezaron a acoplarse. Por un momento pensamos que a Paco se le había ido la olla con el potenciometro de la "reverb". Inaudito!. Qué manera de joderse un concierto!. Había escuchado que los matemáticos son entes extraños que se codean, a veces, con los filósofos. Pero no sabía que poseían tales propiedades acústicas. Quizá los terminen utilizando como alternativa al poliestireno expandido para aislamientos. He esperado a recuperarme del shock para poder escribir el post. Quería dejar constancia de un fenómeno que lamentablemente ocurre a menudo en esta ciudad. La falta de todo, especialmente de cultura, hace que pululen individuos (las mayorías fascistas) que quieren imponer a toda costa la cultura cani, no respetando a otra gente que simplemente quiere escuchar un buen concierto o ir al cineclub a ver una peli.